Cine Tim Burton

 Cine de Tim Burton 

Por. Stephanie Duran 

¿Alguna ves te has preguntado que forma es el cine de Tim Burton? Pues en este blog conoceremos todo lo que se deba saber de este director tan famoso por sus películas de género gótico y original.

Tim Burton, considerado por algunos como director de culto, es un aclamado director de

cine norteamericano que ha demostrado a lo largo de los años que tiene un marcado estilo

personal y ha desarrollado su propia y original forma de hacer cine, que nos traslada a un

mundo de imaginación desbordante con ciertos elementos que se repiten y están presentes

en la mayoría de sus películas. Incluso ha nacido el adjetivo burtoniano que se utiliza

para describir algo estéticamente parecido a su obra artística. Su manera de abordar los

temas y cómo los representa su toque estilístico y su arte enigmático y expresivo, han

llevado a que sus películas sean analizadas y que su vida y obra sea objeto de estudio.

Iniciado como animador en la todopoderosa Disney, ha forjado una carrera

cinematográfica alejada de los cánones comerciales del cine de Estados Unidos. 

La mayoría de las historias de Tim Burton se pueden clasificar dentro del género

fantástico, pero con un estilo visual claramente inspirado en la estética gótica con toques de terror y comedia negra. Comprobaremos cómo este director está tremendamente

influenciado por sus fantasmas del pasado, pero, sobre todo, por el expresionismo alemán

y el cine clásico de terror. 

 Desde que debutó como director en 1982 con el cortometraje Vincent, un corto de animación en stop-motion, técnica muy importante y presente en su cine, su particular estilo comenzó a tomar forma,debido a que este primer corto estableció pautas visuales, narrativas, temáticas y estilísticas en las que el director ha ido profundizando a lo largo de su carrera hasta crear que se ha designado como imaginario burtoniano.

Por otro lado, Burton ha conformado un talentoso equipo de trabajo que se ha convertido en el complemento ideal para la creación de su mundo. Cabe destacar la larga colaboración que mantiene con Danny Elfman, el compositor que pone música a sus historias, y una serie de actores con los que acostumbra a repetir y que son ya íconos de su cine, como Johnny Deep o Helena Bonham Carter.

ESTUDIO DEL CINEASTA TIM BURTON

BIOGRAFÍA

Timothy Walter Burton es un director de cine estadounidense, además de productor, guionista, escritor, dibujante y diseñador, reconocido como una de las figuras más originales de Hollywood. Ha conseguido crear un universo propio, fantástico a la par que terrorífico, convirtiéndole en el maestro de lo excéntrico y demostrando ser un artista cargado de versatilidad con una visión única gracias a una imaginación desbordante y a su enfoque subjetivo.

Nació el 25 de agosto de 1958 en Burbank, California, situada en los límites de los Ángeles y lugar en el que se encontraban muchos de los estudios cinematográficos más potentes como son Warner Bross, Disney o Columbia.

Tim Burton recuerda su infancia como tranquila y tremendamente creativa. Era un chico tímido e introvertido, por lo que se sintió ajeno a su entorno desde muy temprana edad, sentimiento que más tarde retrataría en sus películas. Sus aficiones le definían como un niño peculiar y que nunca tuvo interés por los estudios, pero le apasionaban el arte y el cine de terror y fantasía, cargado de efectos especiales y monstruos: “Durante algún tiempo quise ser el actor que encarnaba a Godzilla. Disfrutaba de aquellas películas y la idea de liberar la furia a gran escala.

En cuanto a su vida sentimental, Burton se casó con la pintora alemana Lena Gieseke en

1989, de quien se divorció unos 3 años después. Posteriormente estuvo comprometido con la modelo Lisa Marie desde 1992 hasta 2001. En ese año inició una relación con Helena Bonham Carter, actriz que ha aparecido en todas las películas de Burton desde 2001 y con la que tiene dos hijos. Finalmente anunciaban su separación, afirmando que se había producido «de forma amistosa».

Ahora vamos a volver a sus orígenes. El joven Burton estudió en la Burbank High School

hasta los 18 años. Cuando terminó sus estudios en el bachillerato, comenzó su carrera

universitaria en el Instituto de Artes de California en 1976, el primer centro dedicado

especialmente a la enseñanza artística de los Estados Unidos.

En 2009, su pasión por el arte desembocó en The Art of Tim Burton, un libro de 430 páginas que contiene muchos años de proyectos artísticos personales e ilustraciones. En noviembre de ese año, el Museo de Arte Moderno de Nueva York inauguró una amplia exposición de su obra y que posteriormente se exhibió en más países.

En 2015, Burton lanzó The Napkin Art: Things You Think About in a Bar, un libro personal que recopila dibujos realizados por Burton a lo largo de los años. Consiste en bocetos hechos sobre servilletas que recopilaba de sus viajes o creados en cuadernos de dibujo y libretas de hotel y que captan las reflexiones y perspectivas de Tim Burton sobre las personas y los lugares que se encontraba. Es una mirada en la mente de un hombre que vive siempre atento al extraño mundo de su alrededor.

Fundado por Walt Disney, era el lugar idóneo para aquellos jóvenes que buscaban aprender animación y que estuvieran interesados en perfeccionar sus habilidades como dibujante.

En su faceta de poeta e ilustrador, Burton publicó en 1997 un libro de poesía escrito e

ilustrado por él mismo llamado La Melancólica Muerte del Chico Ostra. En este libro,

Burton usa el mismo estilo para dibujar al protagonista que el que utilizó en Pesadilla

antes de Navidad.

En 2009, su pasión por el arte desembocó en The Art of Tim Burton, un libro de 430

páginas que contiene muchos años de proyectos artísticos personales e ilustraciones. En

noviembre de ese año, el Museo de Arte Moderno de Nueva York inauguró una amplia

exposición de su obra y que posteriormente se exhibió en más países.

En 2015, Burton lanzó The Napkin Art: Things You Think About in a Bar, un libro personal que recopila dibujos realizados por Burton a lo largo de los años. Consiste en bocetos hechos sobre servilletas que recopilaba de sus viajes o creados en cuadernos de dibujo y libretas de hotel y que captan las reflexiones y perspectivas de Tim Burton sobre las personas y los lugares que se encontraba. Es una mirada en la mente de un hombre que vive siempre atento al extraño mundo de su alrededor.

Filmatografia

Índice de películas

1. Vincent (1982)

2. Frankenweenie (1984)

3. La Gran Aventura de Pee-Wee (1985)

4. Beetlejuice (1988)

5. Batman (1989)

6. Eduardo Manostijeras (1990)

7. Batman Returns (1992)

8. Pesadilla antes de Navidad (1993)

9. Ed Wood (1994)

10. Batman Forever (1995)

11. James y el Melocotón Gigante (1996)

12. Mars Attacks! (1996)

13. Sleepy Hollow (1999)

14. El Planeta de los Simios (2001)

15. Big Fish (2003)

16. Charlie y la Fábrica de Chocolate (2005)

17. La Novia Cadáver (2005)

18. Sweeney Todd (2008)

19. Alicia en el País de las Maravillas (2010)

20. Sombras tenebrosas (2012)

21. Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros (2012)

22. Frankenweenie 3D (2012)

23. Big Eyes (2015)

24. El hogar de Miss Peregrine para Niños Peculiares (2016)

25. Dumbo (2019)

Dejando a un lado sus dos primeros cortos, su filmografía se compone de 19 largometrajes

que le convierten actualmente en el undécimo director más taquillero de todos los tiempos.

Echemos un vistazo a sus éxitos y fracasos, dividiendo su carrera cinematográfica en 3

etapas:

AÑOS 80

a) Primeros trabajos con Disney

Sus primeros años de trayectoria profesional fue como animador en la compañía Disney,

en los que además dio sus primeros pasos como director. Evidentemente, fue dentro del

mundo de la animación, de la que hablaremos más adelante, ya que es una parte

importante de su filmografía y algunas de sus películas de animación son actualmente

consideradas películas de culto.

También se desenvolvió como artista de guion gráfico y artista conceptual en un par de

películas de la factoría y colaboró en otras como Tod y Toby (1981) o Taron y el Caldero

Mágico (1985). Burton no encajaba con el resto de los animadores de la compañía y se

convirtió en una experiencia bastante frustrante para él, ya que no era capaz de dibujar

aquellos encantadores personajes que Disney quería y se sentía obligado a amoldarse a

las exigencias de esta: “Trabajé para un gran animador, Glenn Kean […] Pero también

me torturó al darme todas las escenas dulces del zorro; yo no sabía dibujar aquellos

encantadores zorritos de Disney En definitiva, ese tipo de animación no era mi estilo.”

El primero fue Vincent (1982). Burton había creado el primer producto destinado al

consumo infantil que reflejaba hasta qué punto puede llegar la crueldad, aunque sea

imaginaria, de un niño, tan alejado de los encantadores e irreales niños que habían

aparecido con anterioridad en las producciones del estudio. Este corto animado que

además contó con uno de sus ídolos de la infancia, el mismísimo Vincent Price como

parte del cortometraje, pasó desapercibido por casi todo el público, pero fue muy bien

recibida en círculos profesionales y artísticos.

El segundo fue Frankenweenie (1984), corto que estaba filmado en blanco y negro con una duración aproximada de 30 minutos en el que hizo un pequeño homenaje al clásico Frankenstein (1931), pero no vio la luz porque Disney se negó a distribuirlo alegando desentonaba mucho de las producciones de la compañía.

El estudio no estaba complacido con su trabajo porque consideraban sus cortos tétricos y poco recomendables para el público infantil. A pesar de esto, ambos cortos tuvieron muy

buenas críticas en los festivales de Los Ángeles, Chicago, Seattle y Londres y fueron la gran oportunidad del cineasta para mostrar su potencial y adquirir reconocimiento por parte de otros estudios.

Lo cierto es que su relación Disney estaba destinada a fracasar y ante la poca atención

que recibieron sus trabajos en la compañía, decidió abandonar Disney en 1983 y su alegre

estilo artístico.

Gracias el éxito y reconocimiento que obtuvo en círculos profesionales por sus dos

cortometrajes y de su paso por televisión, llamó la atención de Warner Bros, que se fijó

en él para hacer su propia versión del superhéroe Batman, pero se canceló por el

momento. La productora supo ver su talento y decidió contar con él para dirigir La gran

aventura de Pee-Wee (1985), que fue su primer largometraje dentro de su carrera como

director.

La película supuso todo un éxito que dio lugar a una segunda colaboración con la Warner: Beetlejuice (1988). Esta extraña y delirante historia de fantasmas sorprendió a todos, llegando a ser una de las más taquilleras del año. El proyecto se podría definir como una comedia y no tiene una trama evidente, pero está cargada de humor negro con decorados surrealistas  y alocados y efectos especiales increíbles para la época. 

La que sin duda le lanzó hacia la cima del éxito y le convirtió en uno de los directores más respetados del momento fue Batman (1989), una adaptación al cine del conocido héroe. “Aunque nunca fui un gran fan del cómic, me encantaba Batman, la personalidad desdoblada, la persona oculta. Es un personaje con el que podía identificarme. El tener esas dos caras, una luminosa y otra oscura, y no poder resolverlas, es una sensación bastante común.

La crítica la calificaba de demasiado oscura, melancólica y siniestra y recriminaba la ausencia de coherencia narrativa, pero aplaudía a Burton por el triunfo del diseño sobre la historia. Pero el público no estaba de acuerdo y no sólo se convirtió en el mayor éxito comercial del año, si no en la película más taquillera de la historia de la Warner Bros y en un fenómeno cultural y multimedia con una campaña de marketing sin precedentes. Repentinamente, Burton se había convertido en el director de mayor éxito de Hollywood.

Años 90

Burton era la persona más solicitada del momento y no se sentía cómodo en su nuevo

papel de director estrella. Se planteaba la posibilidad de tomarse un descanso y no parecía especialmente interesado en afrontar un nuevo proyecto, y menos la secuela de Batman que le proponía la Warner.

Si el cineasta se embarcaba en una nueva aventura, sería algo más personal y

autobiográfico. Por ello decidió retomar un antiguo proyecto muy íntimo, Eduardo

Manos tijeras (1990), un maravilloso cuento de hadas al estilo posmoderno que encierra

muchos recuerdos y sentimientos de su juventud.

Tim Burton afirma sobre Eduardo Manostijeras: “Creé este personaje hace algún tiempo, lo medité mucho. Representa en parte aquellos años de adolescente en los que sentías con mucha intensidad, y nadie te comprendía, ese tipo de clichés clásicos. El hecho de crecer en Burbank acentuó esos sentimientos en mí. Así que esta película es muy representativa

de muchas sensaciones e impresiones de esa época y ese lugar.” (TwentiethCentury Fox,1990)

Esta vez trabajó con la Fox, tras el rechazo de la Warner que lo consideraba un proyecto poco comercial.

Remontémonos ahora a 1993 para rescatar Pesadilla antes de Navidad, que en un

principio fue concebido como un poema que iba a convertirse en relato infantil, pero tras

detectar el potencial que tenía era perfecto para ser un largometraje animado.

La idea para esta película la tuvo cuando estaba aún en Disney y, por tanto, pertenecía al

estudio. Pese a lo íntimo de la historia y lo ligado que se sentía a ella, el compromiso con

la Warner para encargarse del rodaje de Batman Returns hizo que Burton contratara a un

director que llevara a cabo el proyecto de forma efectiva. El elegido fue el animador

Henry Selick que realizó la película con la técnica de animación stop-motion.

Como resultado de tres años de producción surgió una obra maestra de la animación

mezclada con el género musical muy valorada posteriormente por especialistas en

animación, aunque nunca fue el blockbuster que Disney esperaba. La respuesta del

público estuvo rodeada controversia y recibió la calificación PG-13, ya que la calificaban

como demasiado oscura y terrorífica para los niños. Esto significa que la película es apta

para todo el público, pero que los padres deben supervisar su visionado para niños

menores de 13 años, debido a posibles escenas perturbadoras.

Burton se había implicado como productor y participó en la elaboración del guión, diseño

de los personajes e incluso la partitura de Pesadilla antes de Navidad. Es a él y no a Henry

Selick, el director, a quien atribuimos la gloria, pues esta película es quizá la obra clave

para definir la singularidad de Burton y que con los años se ha convertido en una película

de culto con la que ha recalcado su fama a nivel mundial.

Se quería llevar a cabo la tercera entrega del famoso justiciero enmascarado y a pesar de que Burton no quería involucrarse como director, participó en la producción de Batman Forever (1995). Lo más importante a destacar es que esta película se alejaba completamente del imaginario burtoniano, con una estética muy colorida.

Henry Selick, director de Pesadilla antes de Navidad, solicitó su colaboración para participar en su nuevo proyecto para Disney, oferta que aceptó. Este era James y el melocotón gigante (1996) basado en la popular novela de Roald Dahl.

Ese mismo año llegó el primer gran fracaso de Tim Burton en el cine comercial: la parodia de ciencia ficción Mars Attacks!. Para esta película se inspiró en una colección de cromos con el mismo nombre, que se trataba de una serie de estampas grotescas y muy coloridas, características que se reflejarían en el filme.

Mars Attacks! obtuvo un escaso éxito entre la crítica y el público americanos, que posteriormente sí triunfó entre el público más joven. No obstante, fue acogida en Europa

como una muestra más del talento de su director.

Tras ello se produjo un parón en su carrera y aunque tuvo varios proyectos en manos

durante este tiempo, Tim Burton no resurgió hasta la película Sleepy Hollow (1999).

Producida esta vez por la Paramount, Burton enmendó el fracaso que tuvo con la película

anterior y consiguió que esta fuera una de las películas del año.

Es una película con una mezcla de terror romántico, thriller gótico y humor con una atmósfera fantásticamente pensada y creada. Está basada en La leyenda de Sleepy Hollow, el relato clásico de terror basado en la tradición del cuento germánico de 1812 publicado por Washington Irving.

SU ENTRADA EN LOS 2000

Las productoras se lanzaron con nuevos proyectos, como hizo la Fox con una nueva versión de un clásico del cine de ciencia ficción. Así inauguraba Burton una nueva

década, con El planeta de los Simios (2001).

En Big Fish (2003) sucede todo lo contrario. La implicación personal del director es mucho mayor que en la anterior película y muestra una gran madurez respecto a sus anteriores films. Es una película muy cercana a la sensibilidad de Burton y trata temas

como el amor o el perdón.

Como sabemos, Burton no había tenido una gran relación con sus padres, pero su padre había muerto unos meses atrás: “Mi padre había muerto recientemente y aunque no estuviera muy unido a él fue un periodo triste que me hizo empezar a pensar y a recordar el pasado. Era algo que me resultaba muy difícil de expresar, pero entonces apareció este guión y trataba precisamente de estos temas, y por eso hacer esta película fue una tremenda catarsis para mí, porque tuve la oportunidad de trabajar sobre estos sentimientos sin necesidad de hablar con un terapeuta.” (SALISBURY, 2006, pág. 309)

Otra de sus obras más recordadas y aplaudidas es Charlie y la Fábrica de Chocolate (2005). Está basada en el famosísimo relato de Roald Dahl y ya existía una película en  los 70, pero Burton no se limita a recrear lo que ya habíamos visto años atrás, sino que consigue crear un universo único que una vez más contiene todos los rasgos de su cine.

Nos encontramos aquí frente a un Tim Burton en plena forma que controla a la perfección todo lo que sucede en pantalla. Esta comedia encanta a los niños y los adultos la recuerdan

con nostalgia. Eso es lo mejor que puede pasarle a una película, convertirse en algo generacional.

Aunque sus inicios son como animador en Disney, Burton estuvo muchos años sin traernos una nueva película animada, hasta que nos presenta La Novia Cadáver en 2005.

Es una historia con una expresividad y una puesta en escena increíbles que muestra el punto donde se encuentran la vida y la muerte desde una visión muy particular.

Burton consiguió acercar al público un cuento macabro y gótico, pero romántico y sensible a partes iguales, donde lo visual y lo conceptual se unen para dejar claro que la muerte es una parte inseparable de la vida, concepto que aprendió de su admirado Edgar

Allan Poe.

Después vino Sweeney Todd (2008), cuyo guion cruel e irónico está basado en el famoso musical londinense de mismo nombre que supieron trasladar perfectamente al cine. 

Burton nos ofrece un musical sangriento que se transforma en una historia de amor, drama y venganza que, en manos de otro director, podría haber sido un auténtico desastre.

En 2009 Burton nos trajo como productor un largometraje animado de acción basada en un cortometraje homónimo, llamado 9. El aspecto visual fue muy elogiado, ya que su diseño gozaba de gran imaginación, pero con una narrativa tremendamente pobre.

Disney empezó a plantearse la opción de realizar remakes live-action de sus clásicos animados, es decir, adaptaciones con actores reales de películas o series que originalmente eran de animación. El primer fue una versión del cuento de Lewis Carroll, Alicia en el País de las Maravillas, que vio la luz en 2010.

Destacaba por estar tratado de forma peculiar, desde el siempre característico punto de vista de Burton y lo cierto es que la dirección artística era magnífica. Aunque tuvo una buena acogida por el público, fue probablemente el punto artístico más bajo de su

trayectoria y eso se vio reflejado en las críticas.

La siguiente sea quizás una de las películas de su filmografía que más polémicas ha traído.

Hablamos de Sombras tenebrosas (2012), una adaptación de la popular serie estadounidense de mismo nombre de gran éxito en los años 60 y 70. Esta comedia con tintes góticos y humor negro es, probablemente, la más disparatada y decadente que nos ha dado el director.

Hace un intento por volver a sus orígenes y reunir todos los elementos característicos de sus primeros trabajos, pero empleó una mezcla de tonos y géneros que se le fue de las manos, como si fuera la primera vez que utilizaba ese recurso. El público le acusaba de haber cambiado. Las críticas fueron negativas y en general, no gustó a la audiencia, por lo que no consiguió triunfar en esta ocasión.

Volvió a trabajar como productor en Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros (2012) que está basada en la novela homónima de Seth Grahame Smith. Esta película de terror y fantasía se produjo en 3D y lo cierto es que no tuvo mucho éxito.

En 2012 nos volvió a mostrar su talento con el stop-motion en el largometraje Frankenweenie 3D, basándose en el corto que había realizado en sus inicios para Disney.

Hace referencia al cine de monstruos de la Universal y en concreto a Frankenstein (1931) de James Whale, grabada blanco y negro y unos personajes diseñados con el típico estilo de Burton, que conoceremos más a fondo posteriormente.

Su siguiente proyecto estaba basado en la historia real de la pintora Margaret Keane, Big Eyes (2015), película con una identificación emocional que la convierte en una pequeña

gran joya de su filmografía. Hace una crítica de cómo los artistas son capaces de perder su esencia a cambio de una marca y dinero y cómo pueden llegar a perder por completo

su voz.

En 2016 estrenó El hogar de Miss Peregrine para Niños Peculiares, basada en el aclamado best-seller de Ransom Riggs que se inspiró en su propia colección de fotografías vintage para crear la historia que, como hemos visto en su biografía, él también recopilaba por lo que no es de extrañar que les llamase la atención y las utilizara como inspiración. Los personajes e imágenes son llevados a la vida en esta mágica adaptación de Burton para Fox.

El film reúne fantasía y realidad para contar la historia de unos niños con habilidades especiales, cosa que a Burton le gusta añadir a sus personajes. Pese a que ya había convertido otras historias infantiles en películas y sabíamos cómo era su forma de hacer

cine, deja patente que aún tiene mucho por mostrarnos.

En 2019 nos trajo otro live-action, Dumbo, una adaptación de la película animada de 1941 de Walt Disney del mismo nombre. Esta película lleva su firma, con elementos propios de su particular estilo, pero no consigue ser el Burton original y fascinante de sus películas

anteriores.

Expresionismo alemán

En 1927 la UFA tomó un nuevo rumbo para el cine alemán con corte más comercial para

intentar conseguir el éxito conseguido por el cine de Hollywood, lo que a la larga supuso

el fin del cine expresionista como tal. Sin embargo, el expresionismo había conseguido

convertirse en un movimiento muy importante que influyó a otros géneros como el de

cine de horror y el film noir y se mantuvo en el cine moderno gracias a la obra de

directores como Carl Theodor Dreyer, John Ford, Carol Reed u Orson Welles.

Una vez que conocemos el contexto y, aunque, posteriormente vamos a ahondar en todos

los elementos que forman el estilo burtoniano, nos disponemos a hacer un breve repaso

por las características más significativas del expresionismo alemán que se pueden

observar en las películas de Tim Burton, como son la estética o los temas, pero que radican

principalmente en la escenografía de formas confusas y en los personajes incomprendidos

y solitarios. Destacan por su físico, son vistos como monstruos y llaman la atención por

un vestuario y un maquillaje extremadamente pálido que enfatizan ese aire misterioso.

La estética expresionista bebe de la fantasía y el terror y presenta un espíritu romántico a

través de una estética siniestra y un macabro sentido del humor y los temas más comunes

son la muerte, lo subjetivo e irracional, el desdoblamiento de personalidad, el uso dramático del entorno, los estados del alma, los miedos, las fantasías y los sueños, pero siempre presentados de manera exagerada, distorsionada y representados mediante una estética tenebrosa y oscura que actúa como reflejo del angustioso momento social y político que existía en aquellos años.

ACTORES RECURRENTES

Michael Keaton, con el que contó para Beetlejuice y que más tarde encarnaría al caballero oscuro, se convirtió en el primer actor fetiche de Tim Burton, aunque no por mucho tiempo.

A comienzos de los 90 fue remplazado por un joven Johnny Depp a raíz de la deslumbrante actuación que realizó en Eduardo Manostijeras. Y es que Johnny Depp se ha convertido en uno de los colaboradores por excelencia de Tim Burton.

Podemos decir que Burton vio en Depp su alter ego perfecto para interpretar a un

personaje extraño, pálido, enigmático y solitario que en cierta manera está expuesto a todos y marginado al mismo tiempo. Scott Rudin, productor de la película Sleepy Hollow afirmaba que, por regla general, Johnny Depp interpreta a Burton en todas sus películas. (SALISBURY, 2006, pág. 271).

Como muchos otros directores, Burton también tiene una musa. Esta sería Helena

Bonham Carter, con la que mantuvo una relación sentimental durante muchos años. Se conocieron en el rodaje de El Planeta de los Simios y desde entonces han trabajado juntos en casi todas las películas del director. Podríamos decir que la carrera de esta actriz se divide en la etapa pre-burtoniana, en la que interpretaba a personajes más comunes y cercanos al mundo real y la burtoniana, dando un giro a su carrera profesional.

Finalmente, Vincent Price, el que era el ídolo por excelencia de Burton, era uno de los

actores más conocidos por aparecer en películas de terror de bajo presupuesto en los años 60. Cumplió uno de los sueños del director al aparecer en la película de Eduardo Manostijeras, tras haber sido la principal inspiración del cortometraje Vincent y haberle prestado su voz al protagonista.

Pero hay otros, como Christopher Lee, que aparece en Sleepy Hollow y junto con Price,

fue el otro gigante del terror de los estudios ingleses de la Hammer, o Sylvia Sidney,

actriz del Hollywood clásico a la que Burton dirige dos veces y que apareció, entre

muchas otras, en películas de Fritz Lang.